Las 12 películas más infravaloradas de los 2000

Alucinaste con ‘Avatar’ y te enamoraste muy fuerte con ‘Amelie’, pero hay más peces en el mar: todas estas grandes películas de la primera década del siglo XXI.
Las 12 películas más infravaloradas de los 2000
Las 12 películas más infravaloradas de los 2000
Las 12 películas más infravaloradas de los 2000

Que si Avatar cambió el cine, que sí Deseando amar es el drama de tu vida, que no hay ni habrá una película de superhéroes como El caballero oscuro, que un tal Sam Mendes reinventó el cine de gánsters colocando a Paul Newman en el puesto de Marlon Brando en Camino a la perdición, que el cine indie tocó techo con ¡Olvídate de mí!... Pero más allá de estos títulos hay otros cuantos igual de buenos, o más, que fueron desterrados por los críticos, ignorados por la taquilla o repudiados en las temporadas de premios.

¿Por qué? Por no ajustarse al canon, por no estar en el lugar adecuado en el momento preciso o porque a veces el tiempo necesita actuar y envejecer las obras para descubrir sus virtudes. En cualquier caso, aquí estamos para rescatar una docena de grandes títulos de la primera década del siglo XXI.

I.A. Inteligencia Artificial (2001)

Steven Spielberg comenzó la década con un estrepitoso fracaso de taquilla y público. Inteligencia Artificial es su película menos Spielberg. En 1999 murió Stanley Kubrick y Steve quiso completar uno de sus proyectos inconclusos, la historia de un niño-robot programado para amar que tiene que enfrentarse a los peligros de un extraño mundo.

El comienzo de la película es frío, una hora de metraje en el que el director establece las reglas y presenta a uno de sus personajes más sofisticados, el robot con el que Haley Joel Osment demostró que era el mejor niño actor de la historia. Kubrick estaba muy presente en esta parte de la película, después comienza la aventura del protagonista en el inóspito lugar futuro y ahí llega el tono y el estilo más reconocible del director de Tiburón.

El niño busca el hada de Pinocho mientras los paralelismos con el cuento clásico no cesan. Para muchos las dos visiones opuestas de los dos directores no casaban y el público castigó a la película con una cifra en taquilla inferior al presupuesto. Sin embargo, es el trabajo más fino, más sentimental, más bonito y estético del cineasta. Sobre todo si arrancamos de nuestra memoria ese desafortunado epílogo. Entonces estaríamos ante una obra maestra indiscutible.

Life Aquatic  (2004)

Wes Anderson venía de dirigir tres películas que habían sido tres rotundos éxitos de crítica: Bottle Rocket, Academa Rushmore y Los Tenenbaums. El chico de oro del cine indie americano llegaba con una película cuyo guión había sido escrito por él y por un tal Noah Baumbach (también conocido como el nuevo Woody Allen).

Life Aquatic es inclasificable, una especie de biografía apócrifa de Jacques Cousteau, pero en vez de Jacques Cousteau el protagonista se llama Steve Zissou, tiene el careto de Bill Murray y está obsesionado con vengar la muerte de un colega a manos de un mítico tiburón blanco.

A pesar de que en Rotten Tomatoes tiene un bajito 53% es una de las películas más deliciosamente memorables de Anderson, con personajes bobos moviéndose entre los gags de una comedia transgresora y muy inteligente. Una obra entrañable, colorista y que además mejora con cada visionado. Una auténtica injusticia que no se tenga entre las mejores obras de Anderson.

El bosque (2004)

M. Night Shyamalan estaba muy, muy arriba. Sus tres primeras películas habían cosechado un enorme éxito en todos los aspectos, El sexto sentido, El protegido y Señales fueron tres títulos que dieron muchas alegrías al director estadounidense. Sin embargo, ninguna de ellas llegan a la profundidad de El bosque pero todas ellas tuvieron una acogida muchísimo más calurosa que El bosque.

¿Por qué? ¿Por qué este drama que habla sobre el miedo, que reflexiona sobre la paranoia colectiva en los tiempos del 11-S, que es un relato clásico y a la vez un romance y a la vez un thriller sobrenatural y envolvente no triunfó ni entre el público ni entre la crítica? Muy fácil, por culpa de una equivocadísima (y machacona) campaña de marketing que dio a entender al público que estaba ante un cuento gótico de terror con muchos sustos. ERROR.

Star Wars: La venganza de los Sith (2005)

Por no decir Star Wars: El ataque de los clones. La nueva trilogía de la saga galáctica ha colocado a las precuelas de George Lucas en un estado privilegiado, el de títulos de culto. El periodista Pedro Vallín es uno de los máximos defensores de esta teoría. Cine de autor. Lucas siempre fue un outsider y la obra que originó todo esto, Una nueva esperanza, es una rotunda obra autoral limitada, claro, por un presupuesto ajustado y una tecnología de efectos especiales precaria.

Sin embargo, varias décadas después Lucas podía hacer lo que le diera la gana y apostó por una trilogía que funciona como precuela de las originales y que juntas forman una exquisita y compleja ópera espacial que se sirve de ambiciosas estrategias narrativas, y si no echadle un vistazo a la Teoría de Anillos. La venganza de los Sith es el la más redonda de las tres películas, la que pone punto y final a esa poesía que el director comenzó en 1977.

Munich (2005)

El Spielberg comprometido ha firmado obras como La Lista de Schindler, El color púrpura, Munich, Lincoln… Y la mejor, en la que llegó a su cima de madurez, es Munich. Una polémica cinta sobre el equipo de agentes especiales del Mossad encargados de asesinar a los responsables de un famoso atentado palestino que acabó con la vida de 11 atletas israelíes.

Spielberg realiza una película fría, en la que nunca se posiciona y donde nunca cae del lado del sentimentalismo. Es cine del duro, del difícil y rodado con pulso, con un estilo envidiable, el suyo. Munich es una de sus mejores películas, sin embargo, no parece que se mantenga en el recuerdo de los espectadores. Apenas recaudó 47 millones y costó 70. Para recuperar las ventas el Rey Midas tuvo que resucitar a un viejo conocido, Indiana Jones.

The Fall (2006)

The Fall se podría catalogar como obra maestra secreta. Aunque ganó en Sitges como mejor película, este filme de culto del indio Tarsem Singh tuvo críticas muy duras, al director se le acusó de no hacer cine, de hacer videoclips (y es cierto que tenía experiencia en el medio, Losing my Religion de R.E.M es suyo) pero lo que realmente pasó es que los espectadores de 2006 aún no estaban preparados para ese nivel de lirismo y de composiciones visuales.

Digamos que Terrence Malick no inventó nada con El árbol de la vida ni tampoco Linklater con su Boyhood. Singh estuvo rodando The Fall durante 4 años en 28 países diferentes para contar la historia de un especialista en secuencias de cine de acción que tras un accidente va al hospital donde conoce a una niña con el brazo roto, a la que promete contarle una historia maravillosa si le consigue morfina.

Hijos de los hombres (2006)

Hay un tipo mexicano al que la Academia ha galardonado un par de años seguidos como mejor director. Todo un hito. Se llama Alejandro González Iñárritu, director de Amores perros, Birdman o El renacido. Y sin embargo, no es el mejor director mexicano trabajando en Hollywood… Se están equivocando. El mejor se llama Alfonso Cuarón y ha dirigido la cinta de ciencia ficción más importante de la década, Gravity. Pero la que nos ocupa ahora es su anterior película, Hijos de los hombres, que parece a un trhiller futurista pero resulta ser un crudo retrato de nuestra sociedad.

Todo se desarrolla en un mundo distópico en el que el ser humano está al borde de la extinción, ya que se ha perdido la capacidad de procrear, la persona más joven de la tierra, de 18 años, muere y el mundo se estremece encaminándose hacia el caos absoluto. Clive Owen interpreta con portentosa naturalidad a un ex activista convertido en burócrata que tendrá que proteger a una mujer embarazada, la persona más importante del universo.

La atmósfera de Cuarón es sofocante, la historia se mantiene en un in crecendo imparable y además le sobra tiempo para escupirnos a la cara el reflejo de lo que somos, una sociedad enferma. Dato curioso: Noche en el museo se estrenó a la vez que Hijos de los hombres, la primera recaudo 24 millones y la segunda apenas llegó a los 10.

Escondidos en Brujas (2008)

Este thriller pasó completamente desapercibido. Bueno, Colin Farrell se llevó un Globo de Oro por su papel de asesino a sueldo, pero en taquilla no hizo demasiado y la crítica tampoco se entusiasmó. Farrel y Brendan Gleeson son la pareja de asesinos que debe pasar unas vacaciones obligadas en Brujas después de que un golpe saliera mal.

La cinta de Martin McDonagh combina el humor y el drama con tanta elegancia y atrevimiento que a ratos recuerda a Pulp Fiction. Escondidos en Brujas marca al espectador por dos razones, porque es terriblemente divertida y porque su exploración del ser humano es tan ruin y devastadora que es difícil de olvidar.

El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007)

Si Malick hiciera un western con vaqueros sería este. La historia de cómo traicionan y asesinan a uno de los forajidos más famosos del oeste americano está contada como si fuera arte y ensayo. Es cine de combustión lenta, contemplativo y rompedor.

Con una banda sonora escalofriante compuesta por Nick Cave, un precioso uso de la cámara por parte de Dominki y dos interpretaciones portentosas, la de Brad Pitt como Jesse James y la de Casey Affleck como el cobarde Robert Ford. Es cine que amas u odias, precisamente ese tipo de cine que pasa a la historia después de ser vapuleado por la crítica e ignorado por los espectadores.

Moon (2009)

Duncan Jones tuvo mala suerte. El hijo de David Bowie debutó con está maravillosa, compleja y muy inteligente película de ciencia ficción el mismo año en el que Avatar cambió la industria y Distrito 9 se colocó como la gran película de género independiente.

Sam Rockwell interpreta a Sam Bell, un astronauta al que después de pasar tres años en la Luna completamente solo le llega la hora de regresar a casa. Sin embargo, el descubrimiento de otro ser humano en el satélite pondrá su vuelta en peligro. Ciencia ficción que imita a los clásicos de los 60, buenos efectos especiales y un Rockwell que llena la pantalla. Ciencia ficción de ideas y de gran realismo científico que fue tristemente subestimada por la prensa  y por la taquilla.

Roller Girls (2009)

Nadie le prestó mucha atención al debut de Drew Barrymore como directora, pero esta comedia dramática sobre una adolescente que para darle algo de emoción a su aburrida existencia decide probar con este divertido y agresivo deporte es simplemente deliciosa. Tiene un elenco fantástico, protagoniza Ellen Page y la acompañan la propia Barrymore y Kristen Wiig, es una película muy positiva, su mensaje es directo y necesario.

Es otra película sobre la búsqueda de uno mismo a través de uno de los deportes más injustamente desconocidos. Uno es más feliz cuando la ve… ¿Por qué demonios está tan infravalorada la felicidad?

Watchmen (2009)

Probablemente no haya una película tan (engañosamente) fiel al cómic como Watchmen. Zack Snyder, que es un gran amante de los tableau vivant, deja muchas escenas que son auténticos retratos vivos de las viñetas de Dave Gibbons. En 300 hizo los mismo. De ahí la fidelidad, y bueno, también consigue trasladar la abrumadora atmósfera y la construcción minuciosa y desafiante de sus personajes.

Sin embargo, Snyder se arriesga y va un paso más allá, cambia la historia, con un ligero detalle convierte el argumento de Alan Moore en una pesadilla contemporánea. De forma muy inteligente el director de Batman v Superman asume que la Guerra Fría, el gran conflicto político que sobrevuela durante toda la obra está más que superado y por eso apunta directamente a otro conflicto, aún más grande y mucho más actual, el de la religión.

Porque en la historia de los cómics no ha habido un superhéroe tan poderoso como Dr. Manhattan, este personaje azul es lo más parecido a Dios. Quizá sea incluso más poderoso que Dios. Y a pesar de su audacia Snyder no consiguió ni el beneplácito de los espectadores ni el de la crítica especializada.

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